II Videobooks para tontos

Scott Cleverdon nos presentó hace unos días Videobooks para tontos un FAQ para todos aquellos que os habéis preguntado cómo conseguir un videobook profesional. 

Como él mismo decía... Este pequeño FAQ, no pretende ser definitivo ni descubrir la verdad absoluta sobre videobooks. Simplemente se trata de un repaso lógico a cuestiones como por qué lo necesitamos, cuál es su verdadera utilidad o qué necesitamos para hacerlo, además de información sobre la lógica y la creatividad necesarias para lograr que un videobook sea realmente efectivo. Es mucho más sencillo de lo que te imaginas.


 Esperamos vuestros comentarios o preguntas

 

4. ¿Qué debo evitar poner en mi videobook?

Yo te aconsejo que descartes tus trabajos de teatro salvo que sean de carácter profesional o se hayan realizado específicamente para la cámara, pues de lo contrario no tendrán buen sonido y la iluminación no será adecuada.

Las grabaciones caseras tampoco deben usarse por dos razones: el sonido será siempre muy poco profesional y la iluminación será deficiente para la cámara. Usa tu sentido común y no pretendas usar todo el material que tengas solo porque lo tienes, ya que saldrás perdiendo.

Por último, olvida las grabaciones de tu boda, bautizo, cumpleaños... Queremos hacer ver que somos profesionales, no aficionados desesperados por encontrar cualquier trabajo.

No obstante, ten también en cuenta que incluso imágenes de poca calidad o grabaciones que parecen poco útiles a veces pueden ser una aportación interesante en el montaje. Para ello necesitarás imaginación o, al menos, alguien con suficiente capacidad para sacarle provecho y lograr crear emoción en el espectador. Esto ya nos lleva a...

5. Bien, ya tengo todo mi material... ¿Y ahora?

¡Felicidades! No fue tan fácil ¿verdad? Pues a partir de ahora siempre que trabajes como actor hazte con una copia porque estarás deseando añadirlo al videobook que estás montando.

Afortunadamente, en el siglo XXI editar ya no está solo al alcance de las cadenas de TV o de productoras. Ahora cualquier ordenador Macintosh ya trae instalado un programa de edición muy sencillo llamado iMovie que es muy fácil de usar y que permite obtener resultados realmente profesionales. Creo que los PCs también ofrecen algo similar con el MovieMaker. Ahora bien, por muy sencillos que sean estos programas tendrás que aprender a utilizarlos por ti mismo o encontrar a alguien que los maneje. La mayoría de personas que trabajan en montaje utilizan programas profesionales más complejos que requieren de un alto dominio y gran sutileza.

Lo primero que te recomiendo es que veas todos los videobooks que te sea posible. Puedes encontrar muchos en youtube, vimeo y otras Webs. Si ves el anuncio de gente que ofrece sus servicios de montaje pregunta si podrías ver algunos ejemplos.

6. Mi relación con el editor

Si no vas a encargarte tú mismo del montaje sino que darás todo tu material a alguien para que te haga el videobook, ¿cuál será tu trabajo como montador?

Esto dependerá de si realmente tienes una visión muy clara de lo que él quiere y de cómo va a trabajar o de si, por el contrario, no tienes ni idea y dejarás que el editor asuma la responsabilidad del trabajo. La mayoría de actores suelen adoptar esta segunda postura y se contentan con poder decir que sí cuando les preguntan si tienen videobook.

Habla con tu montador para que sepa qué te gusta y qué te gustaría ver en el videobook, sin olvidar que luego él tendrá que lograr crear un sentido a partir de elementos que no guardan ningún tipo de cohesión. Por eso, necesitará capturar todo su material y revisarlo repetidas veces incluso antes de comenzar a editar. Yo no puedo hablar por otros editores sino por mi propio trabajo. Puede necesitar días para encontrar la música idónea para el actor al que estoy haciendo el montaje. Necesito hallar una cierta sinergia entre el material, la música, la interpretación y la personalidad del actor. De algunos de mis videobooks han llegado a decir que parecen que es imposible montar un videobook para actores y no ser capaz de descubrir lo que hay en ellos en especial, lo que enamora. Quizás pueda sonar pretencioso, pero precisamente en esto está la esencia de cualquier trabajo de edición, ya sea para cortometrajes, tráilers, publicidad, videoclips... Tenemos que seducir al espectador intelectual y emocionalmente.

Por eso es difícil editar nuestro propio material. A veces no somos capaces de vernos como otros nos ven y juzgamos negativamente cada plano, viendo únicamente nuestras debilidades sin saber identificar nuestras fuerzas.

Si una vez terminado no te convence el resultado, coméntale al montador los cambios que te gustaría hacer. Recuerda: la mayor parte del trabajo del editor está en crear sentido con diferentes imágenes. El proceso de "cortar" es relativamente rápido. Si tienes una idea concreta, normalmente estará encantado con hacer exactamente lo que le pides. Se paciente, agradecido y positivo pero, recuerda, siempre firme.

7. ¿Qué estoy buscando?

Solo debes preocuparte si sientes la tentación de adelantar el vídeo. Es decir, si puedes visionarlo hasta el final sin necesidad de darle al avance rápido o de apagarlo directamente, ten por seguro que tienes un buen videobook.

Esta debería ser una regla básica tanto cuando haces como cuando ves tu videobook. Visiónalo con más gente porque su presencia te hará identificar lo que necesitas cortar.

Tú debes ser el único protagonista de tu videobook. Procura evitar las escenas en las que apareces como personaje secundario. No te interesa que el director de casting pueda pensar: "¿Quién es la otra actriz? Es mucho más guapa que la que me ha dado este videobook".

Ahora bien, si tienes una escena con Julia Roberts, no dudes en utilizarla. Las razones son obvias.

8. Entonces, ¿cómo debe funcionar un buen videobook?

Un videobook no consiste en mostrar una interpretación brillante, aunque si esto es también posible será estupendo.

Un videobook no supone enseñar a alguien todo lo que has hecho.

Un videobook es para el actor como el tráiler de una película que, como sabes, se hace precisamente para crearte el deseo de verla. Así el videobook tendría que conseguir que el productor, representante o director de casting se interesase en conocerte, trabajar contigo...

En el montaje de un videobook se pueden utilizar segundos para crear un gran sentido de variedad, e incluso trabajar un vídeo de baja calidad para que resulte efectivo en un contexto determinado.

Si tu videobook consigue que se te salten las lágrimas o que rías a carcajadas es posible que también funciones con otros espectadores.

Recuerda que tu montador no te juzga tan cruelmente como lo harías tú, simplemente intenta armonizar tu interpretación con dinamismo, coherencia y sensibilidad.

9. ¿Cuánto debería durar un videobook?

Los representantes y directores de casting tendrán siempre diferentes respuestas, pero la regla básica que hemos visto sigue en pie: si puedes llegar hasta el final sin la necesidad de avanzar el vídeo significará que funciona. Recuerda, una película dura dos horas. No es una norma, pero es difícil mantener el interés del público durante más tiempo. Claro que siempre hay excepciones.

Me atrevería a decir que cuanto más corto mejor. He visto videobooks de tres minutos que parecían durar horas, y otros de siete que solo aparentaban durar dos.

Podría aconsejar que el montaje fuera siempre lo más corto y dinámico posible, aunque ciertamente también va a depender del material que se tenga.

Podrás saber si es demasiado largo cuando lo hayas visto cinco veces. Sabrás que es demasiado corto cuando digas "¿eso es todo?".

Debes aprender a fiarte de tu propio instinto. Podrás recibir críticas externas, pero tienes que saber confiar en lo que estás produciendo.

10. Último paso: DVD, youtube y más

Hoy hay muchos medios para promocionar tu material.

Los directores de casting siempre te pedirán DVDs en un estuche con tu foto e información de contacto. Quizás también querrás poner tu CV en la parte trasera, pero ten en cuenta que quedará desactualizado tan pronto como vuelvas a trabajar. Afortunadamente, tu videobook tendrá la fuerza necesaria para despertar el interés para que cojan el teléfono y hagan esa llamada.

Por la misma razón yo evitaría añadir el CV en el DVD en sí. A veces los CDs pasarán años en las estanterías del director de casting, años tras los que tu material aún tendrá algo interesante que contar mientras que tu CV será tu peor representante.

Yo haría el DVD lo más sencillo posible: que cuando lo pongas en el reproductor funcione.

He visto algunos con menús muy bonitos y con opciones para ver directamente el montaje o las escenas completas que se han utilizado. Haz esto solo si crees que realmente te beneficiará.

En cuanto a Youtube y otros medios online, deberías pedir al montador que cree archivos compatibles que puedan subirse a estas Webs. El proceso para hacer esto es demasiado técnico  y complejo para poder explicarlo ahora aquí, pero un buen editor deberá tener una idea del tipo de ficheros que se necesitan.

Para Youtube no necesitas que el vídeo sea de baja calidad sino que, de hecho, te permite subir vídeos de calidad mayor. En otras Webs como vimeo.com puedes cargar vídeos de calidad más alta, incluso High Definition, totalmente gratis.

UN AVISO: ten cuidado con introducir información personal en vídeos online. Te aconsejo que solo incluyas una dirección de email en tu material online. Internet no es buen lugar para publicar tu número de móvil. Hay muchos predadores sueltos que no necesitan que les facilites aún más el trabajo. Usa una cuenta de gmail, yahoo o hotmail específicamente para esto, de modo que puedas administrar las respuestas que recibes de un vídeo online o utiliza el sistema de mensajería interno de dichas Webs.

11. Creí que dijiste que sería muy sencillo... ¡Jamás podré hacerlo!

Vale, entonces he mentido. Quizás parece bastante complicado, pero al menos recuerda esto:

1. Recopila todo el material que puedas.
2. Visiónalo y toma nota de lo que quieres.
3. Entrégaselo todo a un montador y explícale tu idea, o decídete a hacerlo tu mismo.
4. Revisa el resultado y muéstralo a otras personas. Haz cambios.
5. Crea un DVD y cuélgalo en la Web.

Es un proceso con muchos pasos, pero aunque ahora no lo aprecies a la larga sabrás que merece la pena y no tiene precio hoy en día.

Además de toda la información técnica que os he aportado, he hablado desde mi propia experiencia como actor, profesor, director y montador de videobooks y cortometrajes. He conversado con directores de casting sobre este asunto y siempre veo con mucho interés cada videobook que llega a mis manos. 

He desarrollado un método para utilizar el material de un actor de modo que no solo le permita vender su trabajo como actor sino también como su persona.

No puedo prometer que todo montador vaya a saber trabajar con la misma sensibilidad, aunque me gustaría pensar que así es.

Cuando comencé a hacer esto no tenía ni idea acerca de montaje, videobooks o mezcla de sonidos. Poco a poco he ido aprendiendo y, mientras que hoy el trabajo montaje en sí es más eficiente, el tiempo que necesito para crear algo excitante, divertido, conmovedor, expectante, atractivo y dinámico sigue siendo el mismo. De hecho, hay veces en que esto me lleva más tiempo ahora que cuando empecé.

Yo quiero que el actor se sienta satisfecho con su trabajo y quiera enseñarlo. Que esté orgulloso de ser quien es, y que sepa que es capaz de hacer ver a otras personas que puede ser incluso mejor si les dan la oportunidad. 

Hoy un videobook es más que otra de las herramientas del actor: es la confirmación de nuestro trabajo realizado y la promesa de mantener nuestro esfuerzo en el futuro.

Espero que esto te sea de ayuda. Y espero también que seas capaz de diseñar un plan con todos tus objetivos, de marcarte unos plazos, de ser positivo y de luchar por ello.

No te arrepentirás. Al contrario, te preguntarás por qué no lo has hecho antes.

Scott Cleverdon

Scott Cleverdon Actor formado en la Real Academia de la Música y Teatro de Glasgow. Su carrera profesional empezó en el Reino Unido en cine y se mudó a Los Angeles, EE. UU, dónde trabajó intensamente en películas de gran y pequeño presupuesto. Puso voz a personajes emblemáticos en series de animación y videojuegos. Ha trabajado con grandes directores y productores como Milos Forman, Saul Zantz, Tom Fontana, Ed Zwick, Marshall Hertzgowitz. Ha rodado en Canadá, Polonia, Nigeria, México, Reino Unido, Ucrania, España y actualmente trabaja en la República Checa en la serie “Borgia”. Es Vicepresidente y fundador de la Fundación first team, e imparte formación cinematográfica en España y Latinoamérica desde hace 12 años

Videobooks para tontos I. Por Scott Cleverdon

Gran parte de lo que voy a decir en esta entrada es opinión personal. Muchas veces los alumnos me preguntan en clase acerca de videobooks. Cuando empiezo a editar el material de un actor hay ciertas cosas que necesito. Este pequeño FAQ, que publicaré en dos partes, no pretende ser definitivo ni descubrir la verdad absoluta sobre videobooks. Simplemente se trata de un repaso lógico a cuestiones como por qué lo necesitamos, cuál es su verdadera utilidad o qué necesitamos para hacerlo, además de información sobre la lógica y la creatividad necesarias para lograr que un videobook sea realmente efectivo. Es mucho más sencillo de lo que te imaginas.

1. ¿Por qué necesito un videobook?                                                         

Bueno, la respuesta puede parecer obvia pero en realidad un videobook sirve para mucho más que enviarlo a un director de casting.

En primer lugar, la mayoría de representantes de hoy en día quieren, además de fotos y CV, poder ver tu videobook.

Antiguamente, un buen representante asistía a las representaciones de escuelas y grupos de teatro en busca de nuevos actores. En cambio hoy, que los mayores ingresos de los actores provienen del cine y la televisión, los representantes no solo necesitan ver al actor en pantalla sino que, además, quieren ver su potencial de cara a futuros proyectos y sentir el deseo de vender su trabajo a productores y directores de casting. El resto está en manos del actor.

Otra de las razones que hacen necesario un videobook, y quizás la más obvia, es que con él, el actor completa sus herramientas de trabajo. Para tener éxito y conseguir un trabajo en el audiovisual, el actor necesita tener buenas fotos, un CV bien organizado y fácil de leer y, finalmente, un videobook.

Muchos actores aún no han dado este último paso, aunque saben perfectamente que para acceder a los representantes y directores de casting del siglo XXI necesitan hacerse uno o, en su caso, actualizar el que ya tienen. De este modo, el actor siente que está preparado, se halla más seguro si su videobook es bueno porque ya hay una cosa menos que demostrar: que ya conoce bien cómo trabajar ante la cámara y que su trabajo es especial y atractivo.

Pero, ¿cómo se supone que puedo hacerlo si aún no he trabajado en suficientes pelis y series de TV?

Visto así, es lógico que te desanimes, así que mejor borra desde ya mismo esta idea de tu mente.

2. ¿Qué necesito para hacer un videobook?                                                 

Pues, evidentemente, lo primero que vas a necesitar es material. Puedes usar imágenes de cortometrajes, televisión, publicidad, videoclips, vídeos corporativos o de empresa, y todo lo que tengas, cualquier grabación de calidad profesional que te hayan hecho en cámara podría servir.

Muchos actores han trabajado en televisión, largometrajes y cortos pero no tienen una copia de su material.

Tienes que hacerte con ello. Puedes exigirlo porque es tu derecho. Seguramente habrás trabajado gratis en cortometrajes, así que facilitarte una copia es lo menos que pueden hacer por ti. Si es posible contacta directamente con el director o, en su defecto, con el editor. Si el trabajo era para una escuela de cine, ponte en contacto con la administración del centro porque probablemente tendrían una copia o, al menos, sabrán decirte cómo hacerte con ella.

No te preocupes por ser insistente. Hazlo con profesionalidad, pero siempre sé firme. No conseguirás nada si no lo intentas. Quizás a veces tendrás que pedirlo más de una vez, pero nunca olvides que el material que pides es tu derecho como actor y el equipo que ha hecho el corto o la peli lo saben de sobra. Tienes que recopilar todo el material antes de comenzar a editar. ¿Quieres un videobook? Pues consigue todo tu material. Nadie te juzgará porque lo pidas.

Da lo mismo que estés en escena diez segundos o una hora, un buen montador será capaz de encontrar cosas útiles. Montar es saber empalmar imágenes distintas con las que lograr contar una historia coherente y transmitir emoción al espectador.

Si solo has trabajado en teatro o, sencillamente, no tienes material de ningún tipo, proponte hacer un curso de interpretación ante la cámara con el que sepas que obtendrás buen material para utilizar en tu videobook. Si no te decides, pide consejo a otros actores o busca material que puedas ver de estos cursos. Tu propio sentido común te dirá si lo que ves es bueno o no.

En first team trabajamos duro para que nuestros actores tengan un resultado lo más profesional posible. Por mi parte, yo aprovecho para grabar con cada actor imágenes que sé que serán útiles en montaje, en un espacio que ha sido iluminado profesional y específicamente para él, y en el que el actor logra crear con libertad y desarrolla un interacción dinámica con la cámara en la que explora nuevos registros y facetas que quizás no ha mostrado hasta el momento en su trabajo. Muchos actores han hecho su videobook utilizando exclusivamente imágenes de nuestros cursos. Esta es una manera estupenda de empezar y, así, "matar veinte pájaros de un tiro".

Teniendo en cuenta todo lo dicho, sugiero que te hagas las siguientes preguntas con respecto al material que tengas de cursos ante la cámara:

• ¿Se me ve bien?
• ¿Se me escucha bien?
• ¿El resultado parece profesional?
• ¿Estoy satisfecho con mi interpretación?
• ¿Quiero enseñar todo de mi?

Si todas tus respuestas son "sí" significa que tu material es bueno.

Si has dicho "no" al menos a una de estas preguntas, quizás sea mejor que busques algún otro modo de utilizar el material o descartarlo definitivamente. Hablaré de esto más adelante. 

3. ¿Con qué formato de video se puede editar?                                           

Bueno, ahora voy a ser un poquito más técnico pero lo importante que vamos a tener siempre en mente es que nuestro objetivo es crear algo con la mayor calidad posible. Un buen videobook ha de parecer profesional, sonar profesional y generar en el espectador el deseo de seguir viendo más.

Los software de montaje más modernos trabajan más o menos con los mismos tipos de archivo para todas las plataformas. A menos que te estés editando a ti mismo, no tienes porqué preocuparte por esto. De lo que si tienes que ser consciente es del formato del material que quieres utilizar en montaje. No quiero aburrirte con detalles de formatos de archivo. Lo que haré será contarte brevemente qué tipo de material es o no aconsejable utilizar. Afortunadamente, conseguir una copia de tu material en buena calidad es ahora más fácil que nunca. Los formatos que más convienen para editar son: 

Material original sin editar con cinta mini DV.

(Esta es justamente la cinta que estaba en la cámara durante el rodaje. Como puedes imaginar, normalmente es casi imposible conseguirla).

Cinta mini DV de un cortometraje, una serie de TV, etc. El material se ha grabado en una cinta directamente desde el ordenador de montaje.

(Pongamos por ejemplo que el editor tiene el cortometraje en la pantalla de su ordenador. Lo que hace es tan solo darle a reproducir y a grabar. Normalmente tendrás que hablar directamente con el editor del material para que te lo haga. Curiosamente esto es más rápido de hacer que crear una copia en dvd y, además, la calidad será mejor puesto que no se realiza ningún tipo de compresión).

Un archivo de video exportado directamente desde el ordenador de montaje y guardado en un DVD. 

(Esto está bien, el archivo real tiene un formato completo, cualquier editor sabrá volcarlo en su trabajo y empezar a editar de inmediato sin necesidad de capturar. Le ahorras mucho tiempo y tiempo es, sin duda, dinero. Necesitarás que el editor del trabajo original te grabe el archivo en un disco. Recuerda, aprovecha para hacer amigos en los rodajes. A la gente le suele gustar ayudar fuera del trabajo a otras personas con las que han empatizado).

DVD

(Todo el mundo cree que el DVD ofrece la más alta calidad que se conoce. Si pensamos en el VHS esta afirmación podría parecer cierta. Sin embargo, el DVD es un formato "comprimido" lo que hace que, a menudo, pueda perderse información y se genere por ende una degradación de la imagen. El tamaño real de un vídeo con calidad absoluta es mayor de lo que podemos almacenar en un dvd, por lo que los archivos de vídeo se comprimen y tu reproductor de dvd decodifica el sonido y la imagen en tiempo real. 

El DVD es aún quizás lo más fácil de pedir, lo más barato de hacer y el medio más fiable para almacenar tu material).

Debemos evitar:

Cintas VHS

(En comparación con los formatos digitales más modernos, la calidad VHS pierde terreno hoy día. Además, hoy muchos editores no tienen la posibilidad de capturar directamente desde VHS, por lo que tienen que hacer una copia en una cinta mini DV y capturar desde ahí).

VCD: Video CD (Este tipo de formato procedente de los años 90 y solo compatible con pcs y reproductores baratos de dvd. La calidad es necesariamente menos puesto que en su lugar de ajustar el vídeo a los 4.8 Gigabytes de un DVD lo que hacen es comprimir los archivos para adaptarlo a un CD de 700 Megabytes. Recuerda que tenemos que hacer un DVD que sea lo más compatible posible).

Otros formatos: 

Cintas U-matic

Digi Beta

Betacam

Y otros formatos profesionales

¿Por qué no quieres estos formatos? Bueno, pues a menos que quieras pagar 120 euros la hora por una sala de montaje completamente equipada y un editor, mi recomendación es que hagas una transferencia a cintas, tal y como se hace a una cinta mini DV. Por otro lado, los aparatos que se necesitan para tan solo reproducir estas cintas cuesta alrededor de 45.000 euros y la mayoría de realizadores no recurrirían a ellos hoy en día.

Estos formatos se siguen usando debido a su estabilidad y resistencia y, especialmente, por su fiabilidad.

Todo esto puede sonar muy complicado, y de hecho puede serlo. No obstante, tu editor te sabrá decir con qué tipo de material puede trabajar. Si tienes dudas, pide consejo a alguien que entienda de montaje ya que por lo general te contará encantado todo lo que sabe al respecto. 

(continuará ...)

Scott Cleverdon 
VicePresidente Fundación de Interpretación Cinematográfica first team

El Cine en España - Abril 2012

Ya tenemos las cifras del cine en España de este pasado mes de Abril gracias a nuestros amigos de MRC, media research & consultancy.

FOOD FOR THOUGH / COMIDA PARA PENSAR

Recientemente, España ha sido eliminada de la lista negra del MPAA sobre la piratería.

El hecho de ser considerada una nación "rebelde", relegada a las sombras, muestra claramente no sólo el amor que siente nuestro país en obtener algo gratis, sino también el hambre que la población tiene por ver cine o televisión,  oír música y pasar el tiempo con vídeo-juegos.

Y no creo que sea una coincidencia que usemos palabras como hambre, consumo, apetito o gusto cuando estamos hablando de entretenimiento. Es, literalmente, (y elijo esta palabra, frecuentemente usada con precaución) algo que queremos obtener porque nos ofrece algún tipo de sustento.

La gran contradicción es que aquí en España, famosa por su jamón, su vino, sus chefs y sus restaurantes famosos, los "cocineros" que guisan el cine y la televisión, se contentan con la preparación de "platos" cinematográficos que pocas personas desean consumir.

El razonamiento ha sido durante mucho tiempo que la originalidad es más importante que el éxito financiero, las películas van a las fiestas del cine y a veces ganan premios y algunas, muy pocas, tienen éxito internacional. El público ha reaccionado del mismo modo. Se siente cada vez más incómodo con los créditos sin fin que aparecen antes de una película: Ministerio de Cultura, Junta de Andalucía, Generalitat de Cataluña, Xunta de Galicia, TVE, etc., etc. Como me dijo un amigo mío: hace dos días el público en el cine comenzó a abuchear al ver tanto crédito oficial y alguien gritó: "ya hemos pagado por esta película y ahora estamos pagando otra vez".

El negocio debería estar basado en una idea, producto o servicio que alguien pudiera encontrar útil, agradable o necesario. Sin embargo, cuando todo el negocio se basa en la recolección de los subsidios y la búsqueda de atajos en todos los aspectos del proceso, el producto es menos importante. El cine español ha sido, durante demasiado tiempo, un restaurante boutique con una sola mesa y una sola silla y una cocina llena de cocineros que producen platos, sólo por ser diferentes.

Hay muchas excepciones, pero estas excepciones abandonan el país rápidamente o se convierten en iconos nacionales. Claro que el objetivo puede ser para muchos tratar de ser Ferran Adriá, pero primero tienes que aprender cómo hervir el huevo. Ahora puedes estar pensando que lo que sugiero es que nuestro cine debe aspirar a tener cocineros de comida rápida.

No precisamente, pero para volver al cine, ¿por qué la gente quiere producir películas en primer lugar? ¿Para entretener? ¿Para ilustrar/iluminar? ¿Para ganar premios? ¿Para ser original? ¿Para ser inteligente? ¿Por qué vemos películas? ¿Y por qué vemos tantas películas? ¿Por qué tantas personas se apresuran a ver las películas de los "Estados Unidos con éxitos en taquilla"? ¿Por qué todo el mundo sabe quién es George Clooney, pero la mayoría probablemente no podría decir quién ganó el Premio Goya de este año al mejor actor y mucho menos la película en la que actuaba?

El público que va al cine necesita sustento. Se ha convertido en una necesidad humana básica. Si tenemos hambre, no es normal ir a un restaurante Michelín con 5 estrellas, ni tampoco significa que solamos ir al Mcdonalds. Aquí en España, el jamón, el vino y los ingredientes son extraordinarios. Se puede comer como un rey. De hecho comer con la misma calidad costaría una fortuna en otros países. Los españoles no saben los afortunados que son hasta que comen en el extranjero (yo soy de Escocia, confía en mí, lo sé). En el cine pagas de antemano. La piratería es vista por muchos desgraciadamente, como una evolución lógica de la práctica que se aplica a películas, televisión y música. Los españoles, especialmente los que se sientan en la oscuridad abucheando los logotipos de las entidades que han otorgado subvenciones, han tenido demasiadas malas cenas y, a sus ojos, han tenido que pagar por ellas dos veces.

Spielberg dijo una vez que una película es como una hamburguesa y que él sólo trata de hacer la mejor hamburguesa jamás hecha. La tortilla española es algo que todo el mundo ha probado, puede ser buena o mala y puede hacerse con una tonelada de ingredientes diferentes. La única cosa es que, cuando está bien hecha a mano, para una cena más exigente, es algo que todo el mundo puede disfrutar y es algo que representa, a través de su elegancia y complejidad, algo que es esencialmente español. 

Scott Cleverdon 
VicePresidente Fundación de Interpretación Cinematográfica first team

"ROJOS O GOLFOS"

“Rojos o golfos” esa es la percepción que tiene el público sobre los profesionales del cine español, así lo resumió Pedro Pérez. Fueron unas de las pocas risas agridulces del acto de reflexión sobre el cine español del pasado viernes en la Academia de cine. Hay mucho ruido en la prensa y entre nuestro sector sobre la situación futura del cine español.

Cíclicamente, hemos oído hablar de crisis del cine desde los años 80. Pero ahora los profesionales parecen sumidos en un mar de confusión, rodeados de inactividad con sólo 17 películas hechas en el primer semestre del año. Los alumnos de la Fundación first team, institución sin ánimo de lucro que presido, jóvenes cineastas, temen y con razón, por su futuro.

El 13 de Abril, el ICAA (Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales) convocó las ayudas del 2012 con recortes presupuestarios del 35%. Podéis estudiarlas en este enlace. Becas, ayudas y subvenciones. 

A esta situación difícil hay que sumar las deudas que el Ministerio de Cultura tiene con los productores de las películas que se estrenaron en el año 2010. ¿Se va a seguir haciendo cine en España?

Es por ello necesario que ahora, más que nunca, nos apliquemos para formarnos en profundidad y poder así desarrollar una opinión documentada, profesional y racional sobre la situación. Las cifras más fiables que poseemos sobre la producción del cine español son las que publica FAPAE  y las del Ministerio de Cultura,

También podéis obtener información sobre la situación en los flash de la consultora MRC que os ofrecemos  cada trimestre a través de nuestro blog.
 
Si no estás interesado en lo que acabo de escribir, seguramente eres parte del problema del cine español. Toda la información que existe sobre la situación de nuestro cine, es de libre acceso al público, pero reconozco que yo también soy culpable porque en el día a día, no quiero conocer profundamente la historia, sólo me paro a leer los titulares.

“ICAA informa que el modelo de la película que va a subvencionar a partir de ahora es Torrente 4”. ¿He llamado tu atención? “Trabajadores de todos los sectores del cine sin empleo: un productor se pelea con un actor para conseguir un trabajo de camarero”. ¿Sabes de lo que estoy hablando? “En el año 2012 se han producido solo 30 películas en vez de las 100”. Claro que esto no es cierto, pero ¿qué parte la consideras creíble? ¿Por qué solo leemos los titulares y no nos comprometemos a estudiar un proceso que afecta directamente a nuestro futuro profesional? ¿Por qué la prensa sólo se hace eco de las noticias negativas sobre nuestro cine?

Como espectadores y asistentes al acto del pasado viernes 4 de Mayo exclusivo para los profesionales académicos en el que participaron Susana de la Sierra, Directora general del ICAA y Pedro Pérez, Presidente de FAPAE, la federación de productores de España, os quiero informar de algunos puntos citados en el acto y de otros que consideramos importantes y que impulsamos desde la Fundación.

En el acto, tanto la Directora General como José Garasino, Director General  de la Academia de Cine desde Febrero 2011, citaron que se había realizado un informe: “Cine español: el estado de la cuestión”. Podéis estudiarlo en profundidad pinchando en este enlace.

Desde el blog de la Comunidad first team, hacemos un llamamiento a todos nuestros seguidores y a los miembros de la Fundación first team para dar eco a esta iniciativa con todos vuestros comentarios – por e-mail o a través de las redes sociales de first team Facebook, Twitter , Linkedin o Tuenti o publicándolos aquí - y poderlo trasladar a los organismos pertinentes. Al leer el informe, veréis que se apuntan soluciones interesantes, como la iniciativa o recomendación de iniciar una plataforma intersectorial para tratar de contribuir a una mejora de la situación actual de nuestro cine en un proceso que como bien dice el Presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, acaba de empezar, animando a colaborar a todos los actores del sector.

Ya sabéis lo importante que es para la Fundación first team que los actores y todos los colectivos del sector audiovisual, hagamos buen cine, de manera ética, estableciendo criterios de calidad en todo el proceso de producción, distribución y exhibición de nuestras obras audiovisuales. Es importante que lo hagamos mejor.  Que nos quitemos esa imagen de falta de calidad del cine español y esa otra tan perjudicial para el tejido industrial de nuestro cine, la de “rojos o golfos”, (palabras acertadísimas de Pedro Pérez), para sustituirla por la percepción del público de una imagen profesional y empresarial. Todos los profesionales, tenemos la responsabilidad de comunicar una imagen positiva del cine español simplemente viendo cuanto mas cine español mejor y formándonos en cómo hacer mejor nuestro cine.

Debemos hacer que nuestras perspectivas se aproximen y se concentren para lograr unos objetivos comunes aunque las opiniones sean distintas y a veces algunos intereses estén contrapuestos. Todos los colectivos creativos que están representados en el grupo first team, deberíamos colaborar con nuestro grano de arena impulsando un trabajo bien hecho y con ética profesional. 1500 jóvenes directores, guionistas, actores, productores formados en first team… Precisamente por esto, en el momento actual, los actores el colectivo mayoritario en first team, también debemos informarnos a fondo y con responsabilidad, porque somos los embajadores entre la idea y el público, comunicadores por excelencia. La salud del cine requiere que todos tengamos una documentada exposición sobre la situación, así como la certeza de que, entre todos y gracias a nuestra voluntad personal, podemos apuntar soluciones.

Los profesionales y las empresas españolas somos responsables de la producción y promoción de nuestro cine, por ello debemos ser capaces de exponer los motivos de la situación a través de un maduro proceso de autocrítica para entender mejor el presente y aprovechar los errores del pasado para construir un mejor futuro, del que somos todos responsables. Debemos saber reflexionar sobre los criterios de calidad de nuestro cine (que no son lo que a mí me gusta, sino lo que funciona…). La formación de todos los profesionales del sector es necesaria para ampliar el criterio personal y contribuir a un diálogo necesario entre todos, con opiniones mejor formadas desde todos los colectivos y en definitiva una imagen más unificada de nuestra profesión.

Los profesionales carecemos de información y de formación continua que nos permita gestionar adecuadamente nuestras propias empresas y carreras con éxito empresarial. La situación actual, nos lleva a considerar sí o sí el cine como industria y, para ello, es recomendable y necesario que todos los colectivos del sector tengamos una formación empresarial y de gestión que contribuya a mejorar el tejido industrial que nuestro sector necesita. 

Hemos de  escuchar a los colectivos de nuestro sector y a nuestro público, ganar seguidores en segmentos de nuestra sociedad, que pueden llegar a ser espectadores fieles y numerosos si se les acerca al proceso de comunicación audiovisual desde su formación, en las escuelas, pero también en su formación continua profesional.

Los fundadores de first team, creemos que se debe impulsar la ley de mecenazgo no solo porque creemos que es muy útil a la industria, sino que es su complemento necesario. Es vital ampliar la ley de mecenazgo para que permita a entidades financieras interesadas en nuestro cine, apoyar decididamente la formación a través de las escuelas y organizaciones sin ánimo de lucro.

Como la fundación first team, que promueve objetivos de interés común como la formación continua de diversos colectivos del audiovisual con objetivos de excelencia y con una visión empresarial e internacional. Una Fundación que promueve el código de ética de los actores en el audiovisual. 

Organicémonos con transparencia para que las entidades de gestión de los derechos de propiedad intelectual no se mantengan de espaldas a sus miembros y puedan, en estos tiempos difíciles, respaldar las iniciativas de entidades profesionales de formación, asistir mejor a sus miembros con fondos de financiación para la promoción de las obras audiovisuales realizadas, y acciones de búsqueda de excelencia y de interés común a los miembros que representan.

Os animo a colaborar, con nuestra dedicación, a estudiar el estado de nuestro cine, a comunicar lo que sabemos y no decimos y a estudiar profunda y ampliamente la situación.  No dejemos de lado a personas y público que quieren ofrecer soluciones a nuestro sector. Escuchemos a todos los colectivos del sector.

Al público, el ruido sin armonía no le funciona, pero tenemos la certeza de que el silencio le ayuda mucho menos. El cine es una herramienta cultural y en España debe ser considerado como una industria seria, hecha por profesionales preparados y adaptados a la nueva situación del cine y de todos sus medios de distribución. 

Entre todos hemos de encontrar mejores propuestas y mejores y nuevos modelos de negocio. Si quieres ayudar al proceso de cambio de nuestro cine, puedes publicar tu comentario aquí. Utiliza un seudónimo si quieres, pero expresa tu opinión. Asiste al debate que sobre cine español vamos a promover próximamente desde la Fundación.

Assumpta Serna

Presidenta Fundación de Interpretación Cinematográfica first team

¿Cómo está el CINE ESPAÑOL? Valoración del equipo MRC

Aquí os dejamos una valoración del equipo de MRC sobre el estado del cine español. Aquí os dejamos el mes de marzo y el primer trimestre de este 2012.Durante dicho mes todos los indicadores son positivos si los comparamos con el mes de febrero. Cabe destacar el estreno de "Luces Rojas" de Rodrigo Cortés y también el empujón del efecto Goya en películas como "No habrá paz para los malvados".Gracias al equipo de Media Research Consultancy y a Fernando Labrada por tenernos informados sobre la evolución de nuestro Cine!!!!Desde nuestro blog iremos publicando periódicamente los datos y valoraciones que nos hagan llegar.

Assumpta Serna

Aldo Signoretti Interview Borgia

Aldo Signoretti 

 You are obviously from Italy. But you are well known and your work is mostly appreciated in USA and Europe namely for Apocalypto, Moulin Rouge, Troy, Gangs of New York, The dreamers, Dolores Clairborne, The last temptation of Christ, Ginger and Fred… to name a few. You have been working with great directors and actors.


What do you think a director should say to you to inspire you to give your best?

I’ve always tried to read into the director’s mind and to try and understand what  he/ she wants.  A good director must give clear indication at all times, for all the team to be at the service of the film. That’s the director’s job: to know how to indicate to his/her collaborators what is going to be the image of each scene, not the one that we create but the one that has been thought out beforehand.  The colaboration betweeen the team is important inorder to achieve success. No one can create if they don’t take in account the story itself and the desired images that that are thought to be the right ones. Cinema and TV are chains of creative work.

Which scene surprised you the most in Borgia 1 when you were filming?

The quality of Borgia lasted for 12 months, to choose one scene would be difficult. All the actors bring so much that each day is always a surprise and a challenge. For us, it is a pleasure to see great actors who come into their roles so easily. We decorate the actor to help him/her to enter in action, not only phisically but spiritually. But is up to the actor to bring the carácter to life. The art of the performer is to transvestite, to transform, to play another person, and that’s is also a wonderful and amusing experience.


What is the best hint you’d like to give a new generation of actors in relationship to the hair department?

I think hairdressing is the architect of the aesthetic image. The actor can always give indications because he/she knows best the internal and external traits of the character, but we are the frame of a face who tells the story.  The hair designers and the actors have been expressing art for very long time. Even in the Ancient World, the actors who wore masks had their hair dressed by their hair designers.  The hair is the external part of our body where we can see sensitivity. Hair has a soul and a life of its own.  Actors and hair designers have to learn to develop their creative work cultivating immagination.

In a period movie or a TV series, do you think a good actor is the one who’d like to research the hair of that period and work with you on the making and appearance of your role?

The young actors have sometimes difficulty to entry in a foreign context, but to play a role is a game. The actor is a “buffone” as Mastroianni so many times said. And he /she needs elements to feel he is the role. The period dress help them also, because is an element that defines sometimes how to breath, how to seat or walk.
The actor must learn how to be comfortable in a period dress, in fact they have to feel dresses are not a costume but a dress.


What is the nicest compliment an actor/ actress had given you whilst working with you?
   
Actors have given me lots of nice words. We must be allies. I think the nicest thing I remember, was by director Bernardo Bertolucci, while I was working in Dreamers. He was looking and looking and I was really uncorfortable. At a certain point, I said: Bernardo if you look what I am doing, I can’t… I look at you when you work because you don’t have any prejudgement, you can change your ideas…  To me, that meant a lot, he saw right through me, I felt free inmediately, that he understood me and I was free to confront any difficulty because I am concentrated only in my work.


What do you miss from those days in American and European cinema? Money or time? Creativity? Both?
   
Both things go together. You can’t pay for creativity . You either have it or you don’t. Money helps give creativity to make a project more interesting, you can complete the scenes with more ease. Time always goes together with money. More money you have, more time you have.

Can you indentify between the different traits of Italian, Czech and German crew members in Borgia?
   
Professionalism doesn’t have nationality. I ‘ve worked around the World and it is not a question of nationality. The professionalism is a way of living your own life. A good professional is a good professional everywhere in the World.


Being a hair artist, you have a close relationship with actors. Do you think, in general, good actors are good people? Does a good actor need to be intelligent to be a good actor?
   
To do well in any job, we need to be intelligent: to manage a career, to behave in the right way, suitable for the movie so they call you again. Some are smart and I enjoy watching them/ But they tend to be more selfish. Intelligence is rewarded. Being smart has an objective, being intelligent doesn’t. The actors from the Golden era, in America or in Italy, became Gods in an abstract World. However in the past  years, I’ve met many different attitudes; Crazy people, normal people. But actors/ actresses are always a slightly different. Basically, they are special people who work with their imagination, recreating personalities of others, an actor invests in an attitude. I don’t think that the good actors are schizophrenic or must have complicated personalities to succeed as actors. I am someone who believes that their role has to appear only on set.  I think a good actor continues to be himself when he is not acting.
  
 During your career, you have created a team of hair artists who learn from  you in USA and Italy. How do you choose your collaborators? What are you looking for in a young hair dresser? How do you think he/ she has  to behave on set? Dedication? Good mood? Effort? Tecnique?
   

True, throughout these years I’ve trained lots of people… I think I have given all of them something more. I think that whilst everyone is working they keep me in mind, but all of them have their own personal criteria about their job. I would like to think that they have wonderful posibilities and potential, that they are polite people, that they do know how to relate to the rest of the crew and with the actors because this job is a form of expression. We create with our hands, but also with our mind, hands cannot work without the head …  I choose them because I appreciate how they are, because I know they can help with something different that I don’t have specifically for that job.
 
   I have felt working with you, that positive creative tension every time you were thinking about a new style for all the actors. Each hair style is a new challenge for you, what is the criteria you follow to consider a hairstyle finished and a job well done?
   

It is a difficult question. I don’t know if I have a criteria in my thoughts or that it’s a wide vision that can change, it’s never a precise way. I work from my guts, it is my instinct that brings me to do something. It is the instinct that helps me. I can’t plan it the day before, everything is shaped on the very morning I am working with a real face, when I am creating his/ her hair style. My thoughts don’t help me much. I read, I observe a painting, an image, I visualize it, I digest it and it helps me as a referent to create but finally, it serves me as a reference for rebuilding, but in the end, is what I do at the time is express myself.
 

In a period piece like Borgia, you mix so well what defines the period, what the character represents in the story and what suits the actor’s face. What do you think it comes first?
   

When we are working, we need to find a dimension between the story of what you want to say because it is the most important:  to create an image that’s created by the actor but it needs to say precise things to define it. All the things you said are important to take into account. Not one must exclude the other. For me, refining the period through hair is essential but the way an actor/actress carries my work is also very important. The actor must feel great… it is a way of representing my work. Images fill our lives. The director sets up the objectives but we all are the creative context that must collaborate with the image. When I try to create a character, I want to center it on the character, the style of the movie, because to make a nice hairstyle for a wrong character, does not help anything.  The context goes together with his/ her face, they have to go together.
 
You have worked now for more than a year with Spanish actress Assumpta Serna. What would you say is the best definition of her and the character she’s playing?
   
I think that as a person, Vannozza’s character is wonderful. Assumpta resembles Vanozza’s character because she is a fusion of the two things. Assumpta had entered into the role of this “mamma” who has a big pain to send her children to be educated away from home. But at the same time, she wants power for her sons and daughter. Assumpta is so in tune with Vannozza that for me she is the same person.  She is a true “mamma” of the Cinquecento, who creates a matriarcado, a very precise role in that period, where the women had a subtle but strong power.

You are working also with Scott Cleverdon, who plays the great Spanish Captain, Gonzalo de Córdoba. What can you say about both?
   
I was really amused by the idea that a Scotttish man is representing a role so well known as quinta essentially Spanish. He is a great actor. What really amused me most is to see him arrive on set with his kilt to play a Spanish role. To have seen him then talking English with a Spanish Accent, with his big, imposing figure, striked me.  Scott is also very positive, he has a great sense of humor.