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8/2/14

Homage to Philip Seymour Hoffman by Scott Cleverdon

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Acting is the new Rock and Roll?

I woke today and checked the news as usual.
I almost thought it was a joke, how could one not think so.
         PhilipSeymour Hoffman was dead at 46 of an apparent overdose of heroin. I mentioned it to my friend at lunchtime and he said, "what an idiot".


Philip Seymour Hoffman at a Hudson Union Society event in September 2010.      (Source http://www.flickr.com/photos/justinhoch/4998133254/                       Author: Justin Hoch photographing for Hudson Union Society)
I had been aware of his issues with alcohol and I think he had always been rather open about it. He seemed to have processed it, made sense of it and understood his rejection of it and now I learn of other drugs as well.

The question is, why do we lose more actors than rock stars these days and why do they impact us so much when they die.

         James Dean, Marilyn, even Jane Mansfield became legends after their untimely demises. More dignified performers in the past such as Cary Grant or Audrey Hepburn retired or today's Gene Hackman or Sean Connery have stepped back with grace from acting and the public eye.

However Heath Ledger, Paul Walker, River Pheonix, James Galdofini and Cory Monteith were all actors waist-deep in their careers and potential.

The news said today that Philip Seymour Hoffman died of an apparent overdose.
As Eddie Izzard said in his standup routine some ten years ago about Lady Diana's death, and I paraphrase, "it was like the tv show was interrupted, we didn't know how it ended".

         This is why I think we may be so touched by the loss of our actors. 

The actor leads us into a story. The actor gives us something to connect with. The actor is the conduit between narrative and our own personal experience. Their sacrifice (and I'm not saying they are not well paid) results in our investment in their apparent suffering and the story we create for ourselves.

Brecht spoke of the idea of aesthetic distance. That was the difference between perceived reality and actual reality. Actual reality, violence, sex etc. made the viewer question what they were seeing as human beings and perhaps their needed intervention or revulsion. Aesthetic distance was where we could see the themes and narrative behind the action and find something that spoke to our entire nature. It is the difference between raw documentary war footage, pornography or actual graphic violence and fictional storytelling.

With fiction we can learn and find meaning and with the real footage we can only react, physically or emotionally on a primal level.

When we lose a performer, we lose that distance. They have offered sacrifice, in one way or another in many films or tv shows we have seen and enjoyed. 

And when they go, we can no longer learn but only react.

It seems like a joke when we read about it. We laugh, because that's what humans do when they have no other action. We are full of disbelief, anger, frustration, acceptance and momentarily stumble through all the stages of bereavement.

Or we say, "what an idiot" because we are left with no narrative, no story and cannot believe someone so rich in so many things could throw it away in such a mundane way.

We have nothing left but reaction because the story has been robbed from us. The story of future success, glory and creativity.

We are left, with just a reaction, hollow, because all it tells us is that the story is over. There is no dignity, no nobility and no meaning. It is just the end. The rockstars at least leave us their music, the actors leave us the intimate moments that we shared with them in the context of a narrative. Unlike music, we can only truly experience them with our eyes open. That distance has been lost, it has all become real. We can no longer find any meaning, only react.

And when our best and brightest, our representatives in exceptional stories go so soon, without a final word - it makes us know that we too will go, one day, with no dignity, no nobility and perhaps even less to show for it than it just being: the End.

6/2/14

Merecido homenaje de @scottcleverdon a Philip Seymour Hoffman

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¿La interpretación es el nuevo Rock and Roll? Hoy, me desperté y me puse al corriente de las noticias como siempre. 
Casi pensé que era una broma, ¿cómo podría no pensarlo?
         Philip Seymour Hoffman ha muerto a los 46 años de edad de una sobredosis clara de heroína. Se lo mencioné a mi amigo a la hora del almuerzo y él dijo, “¡qué idiota!” 
He sido consciente de sus problemas con el alcohol y creo que él siempre ha sido franco sobre ellos. Él parecía haber ocuparse de ello, comprenderlo y entender su rechazo y ahora, escucho de otras drogas también. 
La pregunta es, ¿por qué hoy en día perdemos más actores que estrellas de Rock? Y ¿por qué sus muertes nos afectan tanto? 
James Dean, Marilyn, incluso Jane Mansfield, llegaron a ser iconos después de sus fallecimientos prematuros. 
         Los artistas más dignos en el pasado, como Cary Grant y Audrey Hepburn se jubilaron, o Gene Hackman y Sean Connery del presente han dado un paso hacia atrás con gracia, de la interpretación y el ojo público. 
Sin embargo, Heath Ledger, Paul Walker, River Pheonix, James Galdogini y Cory Monteith, todos fueron actores, hasta la cintura en sus carreras y su potencial. 
Según las noticias, dijeron que Philip Seymore Hoffman se murió de una sobredosis clara. 
Como dijo Eddie Izzard en su monólogo humorístico hace diez años sobre la muerte de Lady Diana, y parafraseo, “fue como si el programa se interrumpiera, pero no sabíamos cómo terminó.” 
Por esta razón, creo que quizás nos afecta mucho la pérdida de nuestros actores. 
         El actor nos guía en una historia. El actor nos provee algo para vincular con ello. El actor es el conducto entre la narrativa y nuestra propia experiencia personal. Su sacrificio (y no sugiero que no estén bien remunerados) muestra resultados en nuestra inversión de su sufrimiento y la historia que creamos para nosotros. 
Brecht habló sobre la idea de la distancia. Aquella era la diferencia entre la realidad percibida y la realidad real. La realidad real, la violencia, el sexo etc. hacían que el espectador dudara de lo que estaba viendo como ser humano y quizás lo que necesitaba era la intervención o la repugnancia. La distancia estética era cuando podíamos ver los temas y la narrativa detrás de la acción y encontrar algo que hablara de nuestra propia naturaleza. Es la diferencia entre un documental del metraje franco de una guerra, pornografía o violencia explícita y narración ficticia. Con la ficción, podemos aprender y encontrar significado y con el metraje sólo podemos reaccionar, físicamente o emocionalmente en un nivel primitivo. 
Cuando perdemos un artista, perdemos aquella distancia. Han ofrecido un sacrifico, de una manera u otra, en muchas de las películas o los programas de televisión que hemos visto y disfrutado. 
Y cuando se vayan, no podemos aprender, sino reaccionar. 
Parece una broma cuando lo leemos. Reímos, porque es lo que hacemos cuando no tenemos otra acción. Estamos llenos de escepticismo, indignación, frustración, aceptación y momentáneamente, damos traspiés por todas las etapas de dolor. 
O decimos, “¡que idiota!”, porque nos quedamos sin una narrativa, ni una historia y no podemos creer que alguien tan abundante en muchas cosas, podría desperdiciarlo en una manera tan rutinaria.

No nos quedamos nada más que una reacción, porque nos han robado de la historia. La historia del suceso futuro, gloria y creatividad. 
Nos quedamos sólo con una reacción, vacío, porque todo lo que nos dice es que terminó la historia. No hay dignidad, ni nobleza, ni importancia. Solo es el fin. Las estrellas de Rock al menos nos dejan su música; los actores nos dejan los momentos íntimos que hemos compartido con ellos en el contexto de una narrativa. A diferencia de la música, solo podemos experimentarlos de verdad con los ojos abiertos. Aquella distancia se ha perdido, todo se han hecho actual. Ya no podemos encontrar ningún significado, solo reaccionar. 

Y cuando nuestros mejores e inteligentes, nuestros representantes en historias excepcionales se van tan pronto, sin una palabra final- hace que sepamos que tan pronto nos iremos, algún día, sin dignidad, ni nobleza y quizás menos de lo que demostramos al principio: el Fin.

Scott Cleverdon
Director de la fundación First Team junto con Assumpta Serna

30/1/14

Master Class con Oscar Barney Finn y Paulo Brunetti 14 de Enero de 2014

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Master Class con Oscar Barney Finn y Paulo Brunetti 14 de Enero de 2014

Oscar Barney-Finn director de artes escénicas (teatrales, cinematográficas y televisivas) y y Paulo Brunetti, actor, han pasado una agradable mañana, aunque ventolera, en la fundación first team localizada en Madrid. Destilan arte durante el desayuno, antes incluso de entrar al plató.

Antes de que los artistas invitados comenzaran su exposición, Assumpta Serna explicó el motivo por el cual han sido invitados a first team: “por su gran nivel de conocimiento y carrera internacional en cine, teatro y televisión”. “Los dos son inmensamente creativos y apasionados por esta profesión y a base de esfuerzo están donde están, es un ejemplo para todos”
En un vídeo introductorio sobre Oscar Barney-Finn, con su propia voz en off, dice “creo que no me va a alcanzar todo lo que me toca vivir, sobre todo para alcanzar todos los conocimientos que yo quiero”.

-Un director se hace durante toda su vida-

Cuando entran los ponentes, el primero en hablar es Oscar Barney, quien explica que su vida ha estado marcada por la necesidad de adaptarse a nuevas situaciones. Se tuvo que poner a trabajar en Paris para mantener la beca que le ayudó a dedicarse a lo que le apasionaba, “Uno tenía posibilidad de estar cerca de quien siempre había admirado”.
Cada uno de los trabajos que vas haciendo te llenan de experiencias muy variadas. Confiesa haberse sentido siempre un francotirador.
En cuanto a la importancia de la relación entre el director y el actor hay que elaborar el personaje, encontrar las razones psicológicas para formar el trabajo, se necesitan ensayos. Las películas hay que hacerlas a partir de uno, pensando en los actores que a él que le gusten, no al revés.

         -Diálogo entre director y actor en busca de una verdad-

Es imprescindible que haya una unidad técnica en el equipo, lo que le recuerda a “Momentos robados”, del que se pasa la escena final. Habla de su colaboración con Assumpta Serna y de la dedicación que siempre notó en ella. Habaln del ‘raccord’ cinematoráfico a diferencia del cine y de la aportación de Assumpta a los actores cuando
preparan un personaje, el famoso ‘gráfico dramático’ que se utiliza en first team y que define como una guía/recurso fundamental de un actor de cine y TV protagonista para preparar un personaje.
Paulo Brunetti comienza su exposición con palabras de agradecimiento hacia el director quien, además de ser su amigo, es su maestro.  De pequeño, Brunetti, vio en el cine ‘E.T’ y quiso ser ese chico, le emocionaba. Desde ese momento, dice que quiso dedicarse al mundo de la actuación. Cuando tu padre te pregunta que qué quieres hacer en tu vida, decirle ser actor era matarle en ese acto. Cuenta que se fue tras juntar dinero a Buenos Aires con su padre, para quedarse allí y luchar por sus sueños.  Su unión con el mundo de los escenarios vienen desde que, mis abuelos el primer beso que se dieron fue encima de un escenario.

-Muy pocas veces el título que un actor saca en una escuela sirve, aunque el estudio es fundamental para ejercer bien el trabajo-

A pesar de que el actor invitado, argentino de nacimiento, chileno de adopción, se siente muy cómodo en teatro, se mudó a Chile a trabajar en televisión unos meses y lleva ahí 6 años. Lo asombrosamente bueno de él es que es capaz de mostrase tan cercano al público como para hacernos pensar que realmente es un amigo quien nos está hablando, por mucho que estemos sentados entre desconocidos.
-Mientras que en la tele manda el iluminador, en el teatro el más importante es el actor-

A Brunetti le enamoró de trabajar en televisión el que le tocase un grupo de compañeros muy apasionados con la profesión. Por otro lado, en el cine, participa en la película ‘Gritos del bosque’, primer filme chileno de Jorge Olguín en 3D, se estrenará en un futuro próximo. Nos cuenta el lugar maravilloso donde se rodó y sus gentes. Recuerda que cuando dio un hachazo a un árbol, una señora le dijo que le abrazase inmediatamente, ya que el árbol no le había hecho nada para merecer tal castigo. Cierto es que le apasiona el trabajo actoral en cualquiera de sus vertientes (teatro, cine o televisión), pero asegura que, si tuviera que elegir, se quedaría con el teatro, ya que así fue como empezó todo.
- Un actor de tv llega al teatro y se siente perdido. El teatro es primordial y leer, también-

Lo principal, comenta completamente convencido,  en poder tener total confianza con el director, así tendrá siempre buen resultado el trabajo.

Una vez abierto el coloquio con los asistentes, nos confiesa Óscar Barney que hay veces en que el director tiene que ceder ante requisitos que ponga el productor, como trabajar con algún actor con el que no haya buena sintonía, en ese caso debe primar la inteligencia, a lo que Brunetti apostilla la importancia que tiene en todo momento y en cualquier campo la intuición.

Sobre su experiencia en ambos países (Argentina y Chile) Brunetti cuenta, como hablando de lo que más raro le parece. En chile grabas en septiembre y hasta mayo no sale. Los tiempos son otros. En Argentina los tiempos no son profesionales porque es grabar una escena y al día siguiente salir al aire, sin tiempo para la revisión.


También comentan sobre los intereses políticos que le chocan a uno mismo cuando se va a trabajar a otro país, así como que se vendría a España a empezar de cero con mucho placer. Abre la invitación a estar en contacto a todos los presentes al coloquio por si alguna vez van a Chile.  Sobre el dominio en los diferentes registros que exige la variedad en acentos (sudamericanos) actor y director piensan igual, requiere un gran esfuerzo de mentalización, pero que conviviendo con el nuevo idioma y haciendo que sea parte de ti sin rechazo, se hace llevadero, uno se “reinventa”.
-un gran regalo-


Por último y pensado por los dos, también, la vida es un regalo, así como el ser quienes son y el haber llegado donde han llegado. Paulo Brunetti nos asegura, con un sonrisa en la boca, que todo es un gran regalo porque empiezo a tener lo que yo había peleado y querido.

Escrito por la Fundación First team
Carlos Guerrero Jiménez

30/12/13

¡Gran regalo de Navidad! Sean Young, miembro honorífico de first team

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Sean Young, miembro honorífico de Firs Team.

La actriz norteamericana, Mary Sean Young,  ha aceptado formar parte del comité de honor de la fundación de formación cinematográfica First Team, con residencia en Madrid. A la excelente actriz no sólo le avala su larga trayectoria en el mundo de la gran pantalla, también su presencia y su encanto personal.
Sean Young empezó su carrera cinematográfica en 1980, debutó en ‘Jane Austen en Manhattan’,  donde interpreta a la protagonista ‘Ariadne’. Al año siguiente (1981) realiza un pequeño papel en ‘Stripes’ (‘el pelotón chiflado’). En 1982 pegó, definitivamente, el salto a la fama protagonizando, junto con Harrison Ford ‘Bladde Runner’.  Ésta cinta futurista predijo bien lo que sería el futuro y, el papel de Sean Young, obtuvo unas críticas muy favorables a pesar de ser menos relevante de lo que iba a ser en un principio. Uno de sus papeles más destacados fue el que la llevó a ser la amante de un político implacable de Washington, en 1987, en la película ‘No Way Out’, donde actuó junto a Kevin Costner.  También participó en créditos tan notables como ‘Dune’, donde actuó junto a David Lynch en 1984, en 1985 (Baby, el secreto de la leyenda perdida’), donde interpreta a la doctora Susan Matthews-Loomis. En 1988, la actriz, aparece en The Boost con  James Woods. Actuó es ‘Fatal Instinct’ (‘Instinto Fatal’) en 1993, ‘Ace Ventura: Pet Detective’, en 1994, siendo coprotagonista junto con actores de la talla de Jim Carrey, Courteny Cox y Tone Loc; o ‘Baby: Secret of the Lost Legend’ En 1997, repite su papel de Rachel para un video-juego de Blade Runner. Su rostro fue escaneado y reproducido en 3D, siendo una de las primeras veces que se utilizaba esta tecnología para un juego.
Desde el año2000, Sean Young, ha aparecido en películas independientes y televisión, así como en ‘Poor White Trash’, ‘Mockingbird Don't Sing’, ‘Sugar & Spice’, ‘Boston Public’, y ‘Reno 911’. Cuatro meses en Rusia le sirvieron para el rodaje de la miniserie  ‘Esenin’, en la que interpretaba a la bailarina Isadora Duncan. A finales de 2007, Young terminó de trabajar en dos películas, ‘The Man  Who Came Back’ y ‘Haunted Echos’.

Fundación first team

29/11/13

“1ST EDITION OF THE UNIVERSITY MASTER’S DEGREE IN FILM-ACTING”

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“1ST EDITION OF THE UNIVERSITY MASTER’S DEGREE IN FILM-ACTING”

Performing in the 21st Century with the support of a degree in film acting; a modern, practical and useful training to help face the realities of an International career.


Madrid, 20th November 2013

The first team Foundation, in collaboration with the University Rey Juan Carlos, presents the 4th edition of the University Master’s Degree in Film-Acting. The course is directed at film and TV actors who want a University standard of training that will provide them with the adequate tools needed to develop their own technique, to manage their career in a professional manner and to take full advantage of their creative potential.  


The pre-registration period begun November 3rd, 2013 - January 12th, 2014 and the  Master year course starts February 3rd, 2014 and ends  September 30th, 2014.

Although it is the First Edition of the Master’s Degree, it is the fourth year that the programme has been running at the first team center in Madrid. The aim of the course is: to ensure that the actor’s training is combined with the needs and requirements of the rest of the creative team on set, to achieve a high technical and artistic quality whilst performing in front of the camera, to provide the tools needed to be successful as a professional actor, to learn to manage your own career and to accomplish visibility and a sense of presence at castings, amongst others.

The Master’s Degree is divided into four different content areas including: On-camera acting, audiovisual language, audiovisual technology and the audiovisual market. The majority of classes on the course are practical and conducted by prestigious professionals from the sector.

QUALITY, INNOVATION AND INTERNATIONALISM

Created in 1999 by International actors, the first team School is a training center that aims to globally integrate all professionals from the Spanish audiovisual sector into the creation, production, and distribution, as well as the exhibition process of any type of audiovisual work. Therefore, the founders have developed pioneering programmes, based in principles of quality, attitudes and innovative techniques. Over the last 13 years, more than 1.800 students and filmmakers, across six different countries and 23 cities, have received training from first team.  


For 3 years first team, in collaboration with the University Rey Juan Carlos, has offered the first and only specialist university course in film-acting, which this year has become the first Master’s Degree in Film-Acting.

More than 20 businesses and institutions have supported and validated first team’s labour, amongst them the Ministry of Culture, the Community of Madrid, the Audiovisual Cluster and the Caixa.



First team Foundation is a pioneering foundation.

Actors Assumpta Serna and Scott Cleverdon created the first team International Foundation for film and audiovisual training. The HQ is based in Madrid and its subsidiary is centered in Buenos Aires. The Foundation is a non-profit organization, a pioneering corporation, an international reference model and a professional center that offers an innovative system for teaching on-camera acting: Film-Acting Course (ICFT).

With a clear social and international vocation, the first team Foundation has several principal objectives: to encourage the education of film and TV professionals, to improve the audiovisual industry by implementing a practical study of relevant knowledge for audiovisual communicators, to aid their insertion into the international market and to change society’s perception of the actor in society, dignifying the profession and limiting professional infiltration.
  

For more information about the course, contact: email: escuela@fundacionfirstteam.org 
tel: +34 629905504
Or follow these links

Marién  Piniés 

27/11/13

PRIMERA EDICIÓN DEL “MÁSTER UNIVERSITARIO EN INTERPRETACIÓN CINEMATOGRÁFICA Y AUDIOVISUAL”

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 PRIMERA EDICIÓN DEL
“MÁSTER  UNIVERSITARIO EN INTERPRETACIÓN CINEMATOGRÁFICA Y AUDIOVISUAL”

Interpretar en el Siglo XXI, una apuesta por una formación universitaria en  el audiovisual, moderna, práctica y útil para afrontar la realidad de una profesión a nivel internacional.



Madrid,  20 de noviembre de 2013

La Fundación First Team en colaboración con la Universidad Rey Juan Carlos Presentan la I edición del Máster Universitario en Interpretación Cinematográfica y Audiovisual, que está dirigido a actores de cine y televisión que deseen una formación universitaria que les aporte las herramientas adecuadas para  desarrollar su propia técnica, gestionar su carrera de manera empresarial y aprovechar mejor su potencial creativo.

El periodo de pre-registro empezó el 3 de noviembre 2013 y termina el próximo 12 de enero 2014. El Máster empieza el 3 de febrero 2014 y termina el 30 de septiembre 2014.
Es la Primera edición de Máster, aunque es el cuarto año que se imparte este curso universitario en interpretación cinematográfica y audiovisual en la sede de First Team, tiene como objetivos equiparar la formación del actor con el equipo creativo de un rodaje, alcanzar una alta calidad técnica y artística actuando ante la cámara, facilitar herramientas para conseguir con éxito la inserción profesional del actor y mejorar la gestión de la carrera y lograr visibilidad y presencia en los casting, entre otros.

La interpretación cinematográfica, la técnica audiovisual, el lenguaje audiovisual y el mercado audiovisual son las cuatro áreas de contenido en el que se estructura este máster cuyas clases son eminentemente prácticas y conducidas por prestigiosos profesionales del sector.

CALIDAD, INNOVACIÓN E INTERNACIONALIDAD

Creada en 1999 por actores internacionales, la escuela First Team es un centro de formación con el objetivo de integrar de forma global a todos los profesionales del sector español en el proceso de creación, producción, distribución y exhibición de cualquier obra audiovisual. Para ello, sus fundadores han desarrollado programas de estudio pioneros basados en principios de calidad, actitudes y técnicas innovadoras.  A lo largo de estos 13 años han recibido formación más 1.800 alumnos, cineastas en 6 países y 23 ciudades.

Desde hace tres años y en colaboración con la Universidad Rey Juan Carlos, ha ofrecido el primer y único curso de especialista universitario en interpretación cinematográfica, que este año se convierte en el primer Máster en Interpretación Audiovisual.

Más de 20 empresas e instituciones, entre las que se encuentran el Ministerio de Cultura, la Comunidad de Madrid, el Cluster Audiovisual, La Caixa, etc, respaldan y validan la labor formativa de First Team. 


 

Fundación First Team, una fundación pionera.

La Fundación internacional para la formación cinematográfica y audiovisual FIRST TEAM creada por  los actores Assumpta Serna y Scott Cleverdon y con sede en Madrid y filial en Buenos Aires, es una organización sin ánimo de lucro, una entidad pionera, un referente internacional y un centro profesional que ofrece un sistema innovador para la enseñanza de la especialidad de actuación ante la cámara (acting on camera): Interpretación Cinematográfica First Team (ICFT).  

Con una clara vocación social e internacional, la Fundación First Team tiene como objetivos: incentivar la educación de profesionales del cine y la TV para conseguir una mejor industria audiovisual, con un estudio eminentemente práctico de conocimientos relevantes a los comunicadores del audiovisual para su inserción en un mercado internacional. Y cambiar la percepción del actor en la sociedad, dignificando la profesión, limitando el intrusismo profesional.  


Más información sobre el curso en escuela@fundacionfirstteam.org tlf. 629905504
 http://www.fundacionfirstteam.org/formacion-audiovisual/curso-de-cine/ y www.urjc.es

La prueba final se realizará en enero.
Grupo:16 alumnos.
Comienza el 3 de febrero de 2014 y finalizará el 30 de septiembre de 2014. 

Twitter: @f_firstteam
Facebook: Fundación First Team

Marién  Piniés 

21/11/13

¿De dónde vienen las películas?

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¿De dónde vienen las películas? Por Enrique Urbizu

La fundación First Team acogió, el 6 de noviembre de 2013, el coloquio del director y guionista cinematográfico Enrique Urbizu Jauregui (Bilbao, 1962), ganador del premio Goya 2012 al mejor director y película por ‘No habrá paz para los malvados’.
Desde la última vez que estuvo en first team, se corrió la voz de que sus palabras eran las de un maestro y más de noventa alumnos, actores, directores y guionistas las esperaban impacientes.
Comenzó su ‘speech’ haciendo incidencia en las motivaciones que le han llevado a dedicarse al cine: la lectura y su vocación y ansia de aprendizaje por el lenguaje y las imágenes.

“Desde pequeño, todo mi mundo era leer y contar historias, pero con la luz, con cámaras, este taller era el cine. Mi vocación me llegó muy pronto. Mi referencia ha sido siempre David Lynch. Fui a verle en la presentación de su libro “Atrapa el pez dorado’, libro que os recoiendo donde Lynch reflexiona sobre el proceso creativo y de donde viene la vocación”.

Tras preguntarse sobre como llega la inspiración y la procedencia de las ideas, aseguró que pueden llegar de muchas maneras. “La caja 507 surgió de mis viajes en Algeciras y Puerto Banús, no de la adaptación de la preciosa novela de Bernardo Artxiaga, que era la que en un principio quería adaptar”.
Al profundizar en un guión se debe volver a la idea inicial o tema de lo que queremos contar.

“No hay muchos libros de cine, pero los mejores libros son aquellos realizados por los cineastas.”

Dijo que él no se separa de los 10 mandamientos del escritor de Stephen Vicinczey y comentó cada uno en profundidad:
                                                                           
1.    No beberás, ni fumarás, ni te drogarás.
2.    No tendrás costumbres caras.
3.    Soñarás y escribirás; soñarás y volverás a escribir.
4.    No serás vanidoso. 
5.    No serás modesto.
6.    Pensarás sin cesar en los que son verdaderamente grandes.
7.    No dejarás pasar un día sin releer algo grande…
8.    No adorarás Londres-Nueva York-París
9.    Escribirás por tu propio placer 
10.  Serás difícil de complacer

Declaró que para un cineasta es importante saber ver el mundo exterior, lo que nos rodea, la gente que pasa por la calle, cada gesto y detalle es fundamental para no filmar nada artificialmente

La memoria selectiva es un gran invento, hay ideas que se quedan, hay ideas chispa, que si te pillan en un momento (determinado) pueden arrancar, y hay ideas que naufragan con el tiempo”

Sobre los guiones, el también guionista, aseguró que para trabajar en ellos es posible ser subjetivos, pero sin dejar de lado el rigor y la buena información. Opinó que tener límites para crear un guión puede ser motivo de inspiración, “ porque te da límites, no eres completamente libre.

Aprovechó para decir su opinión sobre los productores no quieren que seamos felices: una vez que crees que has acabado el guión, los productores te piden que lo cambies. El guión esta en continuo movimiento”.

Hizo también una crítica social hacia el mundo actual “’La obra de arte es una reacción a lo absurdo que es la vida’ recogida de una frase de ese mismo día en el periódico ‘El país’. Comentó que “si te dedicas a hacer cine negro, leer los periódicos es un gran manantial

Para ser un buen cineasta, dice Enrique, hay que ser un soñador. “El truco es soñar, escribir y seguir soñando, de otra manera no se conseguirá que el público sueñe con nada de lo que se haga para ellos, ya que a fin de cuentas el cineasta vive por y para el público”.
Siendo una escuela de actores, Urbizu también hizo hincapié en su relación con los actores y sobre el proceso de selección. Lo mejor, para un director, es escoger uno mismo a los actores, ya que luego es él quien trabajará con ellos. “ Un actor puede inspirar a un director a cambiar el guión en un casting, como me sucedió a mí”.
Antes de finalizar, Enrique Urbizu, explicó la importancia que tiene en su oficio, como en muchos otros, el hacerle caso a la intuición y al mecanismo de trabajo “prueba-error”.
Urbizu despertó en todos los presentes, un gusto por el trabajo bien hecho, por el rigor, la lectura, la observación y la escucha de otros cineastas. A todos los asistentes, sus palabras les siguieron inspirando para seguir en su vocación elegida. 

-Muchas gracias Enrique por ser como eres- Assumpta Serna 


            

Escrito por Fundación first team. 
Carlos Guerrero Jiménez