Homage to Philip Seymour Hoffman by Scott Cleverdon

Acting is the new Rock and Roll?

I woke today and checked the news as usual.
I almost thought it was a joke, how could one not think so.
         PhilipSeymour Hoffman was dead at 46 of an apparent overdose of heroin. I mentioned it to my friend at lunchtime and he said, "what an idiot".

Philip Seymour Hoffman at a Hudson Union Society event in September 2010.      (Source http://www.flickr.com/photos/justinhoch/4998133254/                       Author: Justin Hoch photographing for Hudson Union Society)

Philip Seymour Hoffman at a Hudson Union Society event in September 2010.      (Source http://www.flickr.com/photos/justinhoch/4998133254/                       Author: Justin Hoch photographing for Hudson Union Society)

I had been aware of his issues with alcohol and I think he had always been rather open about it. He seemed to have processed it, made sense of it and understood his rejection of it and now I learn of other drugs as well.

The question is, why do we lose more actors than rock stars these days and why do they impact us so much when they die.

         James Dean, Marilyn, even Jane Mansfield became legends after their untimely demises. More dignified performers in the past such as Cary Grant or Audrey Hepburn retired or today's Gene Hackman or Sean Connery have stepped back with grace from acting and the public eye.

However Heath Ledger, Paul Walker, River Pheonix, James Galdofini and Cory Monteith were all actors waist-deep in their careers and potential.

The news said today that Philip Seymour Hoffman died of an apparent overdose.
As Eddie Izzard said in his standup routine some ten years ago about Lady Diana's death, and I paraphrase, "it was like the tv show was interrupted, we didn't know how it ended".

         This is why I think we may be so touched by the loss of our actors. 

The actor leads us into a story. The actor gives us something to connect with. The actor is the conduit between narrative and our own personal experience. Their sacrifice (and I'm not saying they are not well paid) results in our investment in their apparent suffering and the story we create for ourselves.

Brecht spoke of the idea of aesthetic distance. That was the difference between perceived reality and actual reality. Actual reality, violence, sex etc. made the viewer question what they were seeing as human beings and perhaps their needed intervention or revulsion. Aesthetic distance was where we could see the themes and narrative behind the action and find something that spoke to our entire nature. It is the difference between raw documentary war footage, pornography or actual graphic violence and fictional storytelling.

With fiction we can learn and find meaning and with the real footage we can only react, physically or emotionally on a primal level.

When we lose a performer, we lose that distance. They have offered sacrifice, in one way or another in many films or tv shows we have seen and enjoyed. 

And when they go, we can no longer learn but only react.

It seems like a joke when we read about it. We laugh, because that's what humans do when they have no other action. We are full of disbelief, anger, frustration, acceptance and momentarily stumble through all the stages of bereavement.

Or we say, "what an idiot" because we are left with no narrative, no story and cannot believe someone so rich in so many things could throw it away in such a mundane way.

We have nothing left but reaction because the story has been robbed from us. The story of future success, glory and creativity.

We are left, with just a reaction, hollow, because all it tells us is that the story is over. There is no dignity, no nobility and no meaning. It is just the end. The rockstars at least leave us their music, the actors leave us the intimate moments that we shared with them in the context of a narrative. Unlike music, we can only truly experience them with our eyes open. That distance has been lost, it has all become real. We can no longer find any meaning, only react.

And when our best and brightest, our representatives in exceptional stories go so soon, without a final word - it makes us know that we too will go, one day, with no dignity, no nobility and perhaps even less to show for it than it just being: the End.

Scott Cleverdon

Director offundación First Team together with Assumpta Serna

first team Interview - Bruno Sevilla

Interview - Bruno Sevilla

Bruno Sevilla (Cardinal Bernardino Lopez de Carvajal) and Assumpta Serna (Vanozza dei Cattanei                  Borgia 3rd season

Actor-director, actor-scriptwriter relationship:

1.      I’d like you to put yourself in the shoes of a director…what do you think is the best way to work on set with an actor, from a director’s point of view? Do you think that rehearsals are necessary for all types of film and TV productions?

I would say that it is essential that the actor knows the scene he/she is going to perform in detail and not just the dialogue. Therefore, the actor has to have a meeting with the director prior to the scene, providing precise feedback (precision is what helps the actor most when working), but also the actor must have time to rehearse because it allows the actor to have a general perspective of the character’s journey and to gain confidence, both in his/her work and in the work of the director.  

2.      All actors have different desires, personalities and training, from your experience, what would be the ideal professional relationship between actor and director on set?

For me trust and respect would be the best combination. Trusting in someone that is directing you is essential because actors are usually quite alone when it comes to working and mutual respect makes things flow better, although one might not always agree.

3.      What have you seen or listened to whilst filming on the Borgia series that has made you feel proud of having acted in it?

The professionalism of the people who are involved: the cast, the production team, the scriptwriters, the directors and the makeup and hair department. It makes you realize how lucky you are, to be part of it.

4.      How has it been working on the Borgia set with 19 different nationalities, the most expensive European series to date? What impression do you have of them, having seen them on screen, acting in their characters and working with them on set?

The general feeling is that we are a big family and that we are all working with the same objective. Straight away you are made to feel at home. Everybody knows the series and the characters so well that the cast works incredibly naturally together.

5.    How has it been working with Metin Huseyin? What would you like to say publicly that you couldn’t say on set?
I feel very lucky to have had Metin as my director. I remember arriving on set on my first day and with only a look, I knew I was welcome. He manages to find the confidence in you. Despite being on an enormous set, (which one always associates with a certain level of tension) I remember him being very comfortable, with a great sense of humour, knowing exactly what he wanted and taking the time to give the actors the information that we needed, independently from the responsibility our characters had in the scene. It has been a real pleasure.

6.      How has it been working with Tom Fontana? Can you tell us what are the advantages of having the scriptwriter on set for the actors? What would you like to tell him publicly that you couldn’t on set?

The truth is that I do not know Tom personally, but the whole team speaks wonders about him.

The Profession:

1.      How did you prepare for the character you played in Borgia? How did you prepare for this casting in particular? What type of investigation did you carry out for performing the character?

For the casting, I had the advantage of living just outside of Madrid so I was able to film at home in a more relaxed environment, with as many takes as I thought necessary (and there were many!) and then I sent the video. Concerning the character’s development, there wasn’t much time to prepare because we started filming 48hours after I got the job. So instead, I made sure that I knew the entire episode script and that I had researched into the historical character (especially how he arrived at the Vatican) and I used a lot of intuition. Luckily, I was able to discuss the doubts that I had about the scene with Metin the director, and at the same time with my cast mate Mario de la Rosa, who plays the other Spanish cardinal. We managed to establish a relationship between the two cardinals and this helped me hugely.

2.       Do you think that castings are fair for actors? Even for those that have experience in their characters and have worked on various films? What would be the best way? An interview? Or even finding your own material for the casting?

The topic of castings is always complicated. A casting is like doing an exam but not knowing which is the right way to do it, and also you have to give the best you can in often-unfavorable circumstances. As actors, we hate doing castings but at the same time we spend our lives waiting for the castings. It’s very strange. I understand that there are many actors for very few roles, so ultimately castings will never stop being a necessary evil. I don’t know if there is an ideal ‘formula’, because every project and casting for each character is different, so in the end, what is left to us actors (or at least what I try to do) is to see castings as an opportunity to perform, although it is only for two minutes.

3.      In your opinion, in the current state of things, do you think that actors and actresses are allowed to completely give their own ideas and be part of the creative team on the film or TV set? Do you think their comments are useful?

For me in general, I don’t miss having more creative responsibility, without having the time available to be able to discuss with the director the direction that I have to do. Ultimately, unless there is a rehearsal period, the actor is only expected to interpret the role that has already been written, so the creative contributions of the actor are limited to making the character his/her own as much as possible or simply making his/her work easier. In my experience, the role of the director is the most overriding, because there are directors that leave things to you and trust in you, and there are others that practically tell you the intonation of every word. I believe that part of our work is to know how to adapt ourselves to whichever of the two styles.

4.      Tell us what is the most important thing that an actor has to know, that you discovered yourself and that no one told you.

For me, the most important thing is to be aware of what this profession involves, that you can’t be half hearted about it, hoping that someone will discover you. You can never stop. If they don’t call you, you call them and create your own network of contacts, make short films, go to classes, create your own work. Above all, if you have to combine working in this profession with a ‘day-job’ (like we have all had to do) make sure that you do not get distracted from the path you want to follow. 

El guión: cómo trasladar al papel lo que piensas poner en pantalla

Una película se escribe tres veces: la primera en el papel, la segunda en el rodaje y la tercera en el montaje.

El guión sería por lo tanto la primera escritura de una película dentro de los cauces clásicos.
 

El curso de guión que os propongo consiste en que conozcamos el orden de la creación de un guión cinematográfico y cómo trasladar al papel lo que está pensado para una pantalla.

El curso de guión se vertebra en base a dos ramas fundamentales:

-    La creación de la idea
-    La técnica para la plasmación de esa idea.

El camino tendría los siguientes mojones:

• La idea: ¿De dónde surgen? ¿Cómo buscarlas? ¿Dónde buscarlas?
• El story line: La máxima síntesis.
• El argumento: El orden de los sucesos. La creación de los personajes. Su desarrollo. Sus objetivos.
• El primer tratamiento de guión: La primera tentativa de ordenar mediante imágenes y diálogos lo establecido en el argumento.
• El guión: La primera versión escrita de la película. Aquella que servirá para que pueda servir de guía (de ahí la palabra guión) a la siguiente escritura.

Durante el curso estudiaremos ejemplos de películas cuyo guión es tan sólido que permite fluir por los sucesos como si fueran vida (curiosa paradoja). 

Os espero.

Fernando Loygorri

Guionista y profesor en first team

http://www.fernandoloygorri.com/

Conrado San Martín: un caballero

Este miércoles hemos tenido en Fundación first team el privilegio de compartir cuatro horas con un caballero del cine español: Conrado San Martín. A sus 93 años, Conrado sigue diciendo a sus amigos que le avisen cuando habla mal de alguien. Se denomina a sí mismo charlatán y autodidacta. Su amor, su pasión y honradez le dan el privilegio de no callarse. En first team nos ha tenido a todos embelesados desde que ha entrado por la puerta y, en realidad, no ha salido, porque se ha quedado con nosotros para siempre gracias a su aroma, su estela, su estilo y su fuego. 

Decía, antes de la conferencia: "Hablaré poco a poco". Y lo ha hecho con tanta fuerza, honestidad, sinceridad y cariño, que ha encendido corazones y ha abierto puertas y ventanas con aire fresco e inspirador. Ha hecho que se nos cayeran lágrimas, nos ha hecho reír, sonreír y soñar a todos y a cada uno de los que estábamos en la sala.   

El regalo que traía preparado para nosotros no han sido sus películas, sino un documental precioso sobre su vida y un PowerPoint iluminador. Lo que ha elegido contarnos no ha sido sobre él, sino sobre las personas que más impacto y mella hicieron en él: Claudia Cardinale por su belleza y autenticidad; Sergio Leone por su talento cinematográfico y la importancia de la música; Clint Eastwood por su lucha y genialidad; Pepe Isbert por su vocación y estilo propio; Antonio Román por saber contar una historia; y Nicholas Ray por su profesionalidad.

Conrado San Martín es un actor que no tuvo agentes ni marca online. Un actor que tuvo trabajo buscando trabajo y trabajando. Un actor que pescaba sus trabajillos en los años cuarenta con su caña que lanzaba en los estudios, en los teatros, en la calle. Y recogía sabiduría allá por donde escuchaba. Un hombre con una mujer fuerte a su lado, Olga, una mujer guapa, morena y catalana, que con gran sentido del humor, le ha preguntado entre el público porque no hizo más teatro y él le respondió que fue porque estaba casado y con hijos.

El consejo que ha dado a los jóvenes actores y cineastas que abarrotaban la sala ha sido el de llenarse de cultura, escuchar a los demás, leer a los buenos, trabajar con tenacidad y ofrecer ternura y respeto. Toda una lección para todos los que estábamos bebiendo sus palabras. Y es que no puede ser de otra manera. Desde nuestra película juntos, a finales de los años 80, tuve el honor de conocerle y el destino nos volvió a juntar en un teatro. Hoy hemos querido dar a nuestros alumnos en first team el lujo de conocer un poco más al hombre íntegro e independiente que es Conrado San Martín, con sus 93 años, amigo de sus amigos, que ha querido estar presente en la escuela first team para compartir el pasado con los cineastas del futuro. Un lujo, un privilegio.

Gracias, Conrado. Gracias, Juan. Nunca te olvidaremos.

Assumpta Serna y Scott Cleverdon

Presidentes de la Fundación de Interpretación Cinematográfica first team

Una tarde de cortometrajes...

La escuela de cine de Madrid First Team parecía un auténtico festival de cine: sonrisas, cámaras, actores, photocall, nervios,... sólo faltaba la alfombra roja. Aunque no hizo falta porque teníamos lo más importante: cortometrajes y un grupo de amantes de la interpretación deseosos de emocionarse con las historias y los personajes que se proyectarían en la pantalla de la Fundación First Team.  

A primera hora de la tarde ya empezaban a llegar los primeros alumnos, con muchas ganas de ver el resultado de las horas de aprendizaje y trabajo del curso de cine universitario de interpretación cinematográfica. La primera sorpresa que teníamos reservada para ellos era un photocall donde les fotografiamos y les hicimos una pequeña entrevista, para que se sintiesen como los artistas que realmente son.  

Mientras tanto, la entrada de First Team se llenaba de besos, abrazos y presentaciones entre todas aquellas personas que han pasado por la fundación o que van a hacerlo en alguno de nuestros cursos del año 2013. Técnicos, guionistas... sobre todo, actores y actrices que se reencontraban con profesores y compañeros con los que han compartido horas de preparación y rodaje. 

Entre animadas charlas sobre proyectos actuales o futuros, llegó la hora de comenzar la proyección. Assumpta Serna y Scott Cleverdon fueron los encargados de presentar la muestra de cortometrajes, agradeciendo la presencia de todos los actores y amigos que iban a compartir esa tarde de cine. Ambos explicaron que la selección de cortos que veríamos son el ejercicio final de los cursos de interpretación cinematográfica que se han impartido estos últimos años en First Team. 

El primero de ellos, ‘La flor’, fue presentado por Kike Palacios que nos contó algunas anécdotas sobre el rodaje, como el buen ambiente que había entre el equipo a pesar del calor que pasaron en el parque de El Capricho. Kike sólo adelantó que el cortometraje es una historia de amor y muerte inspirada en la figura de la duquesa de Osuna, María Josefa Pimentel. Aunque no quiso desvelar más detalles sobre el cortometraje para mantener la emoción y la sorpresa. Y efectivamente, la interpretación de Nuria Travería, Carolina Rosa, Enrique Palacios, Macarena Feliu y Alia Shawa consiguió transportarnos al siglo XVIII. 

A continuación, Mario de Vicente introdujo su cortometraje ‘London calling’. Aunque él ya había trabajado detrás de la cámaras, ésta era la primera vez que participaba como actor en un proyecto audiovisual. Y la experiencia no pudo ser más gratificante, como subrayó. Tras sus palabras, comenzó la proyección de ‘London calling’, una historia en la que Patricia Prada y Mario de Vicente interpretan a dos personas aparentemente diferentes pero que tienen mucho más en común de lo que imaginan. 

Después fue el turno de Rocío Gama, una de las actrices de ‘Avatares’. Comentó que este cortometraje, que utiliza el hilo conductor de las redes sociales, es una historia sobre dos personas que olvidan lo que realmente son y empiezan a creerse lo que piensa que son. Así, tras este breve resumen, comenzamos a ver la actuación de José Luis de la Torre y Rocío Gama. 

Scott fue el encargado de introducir el cortometraje de ‘Alberto, Rodrigo, Mario’, desgranando algunos puntos del guión, pero dejando nuestra curiosidad intacta para poder disfrutar de la historia. José Rua y Óscar Oliver protagonizan una historia en la que los sentimientos salen a la luz cuando alguien trata de salvar a otro de ser lo que no es. 

Por último, Raúl Lara y Carmen Martínez se encargaron de dar paso al último cortometraje de la muestra. Nerviosos y, a la vez, emocionados por poder ver el resultado de todo un año de esfuerzo, nos contaron que ‘Favorito’ es una mezcla de secretos y sentimientos que salen a la luz cuando la fama se va de las manos. 

Tras un breve descanso, llegó uno de los momentos más especiales de la tarde: una mesa redonda con Assumpta, Scott y todos los asistentes a la muestra en la que charlamos sobre esa pasión que nos une que es la interpretación y, por extensión, el cine. Los alumnos comentaban su paso por First Team y cómo la fundación pule al actor para cine y televisión. Añadían que estar en contacto con todas las áreas de un proyecto audiovisual (guión, producción, rodaje,...) permite una formación mucho más rica y amplia como actor. 

Assumpta animó a todos los que han pasado por First Team o quieren hacerlo a contar qué es lo que les gustaría conseguir y cómo podemos ayudarles a lograrlo desde la fundación. También se abordó la situación actual del sector audiovisual, afectado también por la crisis, así como algunas propuestas para solucionar o, al menos, mejorar esta realidad. Los asistentes pusieron en común sus proyectos actuales o futuros, invitando la creación de sinergias entre los presentes, en un networking muy interesante. 

Para terminar, Assumpta comentó los cursos que estamos preparando para el año que viene, así como los eventos con profesionales del sector audiovisual que se organizarán para acercar el mundo laboral a los actores que se han formado con nosotros. 

Foto final de grupo en el photocall, conversaciones que acaban con un “Hablamos” o “Te llamo”, besos, abrazos,... y se recoge la alfombra roja de esta muestra de cortometrajes tan especial para nosotros. ¡Muchas gracias a todos!

Irene Cámara
Departamento de Comunicación y Redes First Team